Allgemein

Casandra Hermann | Art collector interview

In her collection, tax advisor Casandra Hermann deals with the big issues in life. In conversation with viennacontemporary, the Vienna-based art collector talks about living with her many sculptures and how Covid has changed her approach to the art world.

Um dieses Interview auf Deutsch zu lesen, scrollen Sie bitte nach unten

Courtesy of Casandra Hermann

How did your passion for collecting develop? 

I’ve always been interested in art, but I started collecting very late, a little over four years ago. For me, it was a very conscious decision, and it was clear to me that dealing with art on this very intense level would also have a personal impact on my character. When collecting, you must engage with individual works, primarily with those of your collection, but also works that you are considering buying. When an artwork ends up in the collection, they also become part of your biography, which is quite exciting. 

Is there a special focus in your collection? 

I once saw the exhibition “sculpture on the move” at the Kunstmuseum Basel, which made an incredible impression on me, as it presented the best of the best in sculpture from the last century. From that point on I knew the direction I wanted to follow, namely my fascination for the three-dimensional and the effect that objects create in a space and around space. 

What does a sculpture have to offer to attract your attention? 

I gravitate towards three-dimensional objects that have an interesting design language and manage to break down a complex statement into a simple one.

Simplicity and precision are crucial for me. By precision I don’t mean the technical excellence of the execution – I also love trashy objects – but a certain sharpness and cleverness in its core.

I like work that I get to approach – not the other way around. I’m talking about work that you grasp more and more after the second and third glance. You can perhaps compare it with a good poem, where a few lines open a whole new world, and you can always discover and revisit new layers of meaning. In this context, I find it interesting that there are more and more young artists who also make poetry. I think that’s a very nice combination of cross-media art. 

installation view. Photo credit: Flavio Palasciano

What was the first piece of art you bought? 

I bought a sculpture by Björn Dahlem with the title “strange area (intervall)” at Art Basel. It is a small fir branch that is bent at a 90-degree angle – which is extremely rare in nature – and is fixed on a thin brass rod. I was fascinated by the fragility and poetry of this work as well as the mix of nature, cosmos, and science. 

By now, your collection includes works by established international artists such as Michael E. Smith, Nina Canell, and the British artist Ryan Gander, but also many young positions, such as Fiete Stolte, Magnus Thierfelder, or Mikko Rikala, as well as some “emerging” female positions from the Viennese art scene, like Lisa Holzer or Anna Sophie Berger – how did this selection of artists come about? 

My focus is on young talents, but there are several “mid-career” artists that I appreciate. I mostly buy current works from established artists. It is exciting for me to juxtapose their art with young positions to get a new perspective on certain topics. 

What are the topics the interest you in particular?  

There are certain themes of universal interest to humankind, which keep coming up and I’m interested in how artists I like are dealing with them. On the one hand, these are questions of identity and anchoring in society. I am also interested in the topic of time – what we can learn from the past and, above all, how artists envision utopian or dystopian futures. Environmental issues and the impending climate catastrophe are also important to me. But I don’t want to be restricted to these topics. That is why I do not follow a stringent concept.

Art is supposed to help me evolve as a person and not to confirm preconceived notions. I, therefore, see the collection also as a biographical matter. 

Ryan Gander, Embrace Your Mistakes …. Your Mistakes Are The Markers of Your Time, 2019, Kalligraphie-Tinte auf 130 gsm Büropapier 59,4 x 42 cm, framed: 69,9 x 52,5 x 3,6 cm – Photo credit: Flavio Palasciano

Is there a medium or topic that you exclude from your collection?

I’m not really into painting, there are only a few positions that I find exciting and most of them are more in the “anti-painting” genre. But I am generally open and very often question myself, why it is that I find painting not as fascinating as other genres – so this is something that could change in the future.

Is the buying process a spontaneous one or do you research systematically beforehand?

There are works of which I know within three seconds that I must have them. However, this rarely happens. With most of the art, I grant myself more time. Mostly, I get the impulse to buy the moment I fear that the work might be gone. Like most collectors, I feel that I want to own more works of art than possible. That’s a good thing because it makes every purchase a decision-making process, which is an important aspect of collecting.

Can you describe the research process? How do you find out about a work or an artist? 

I like reading texts of artists, interviews, reviews, and other publications. Especially with artists whose work does not immediately reveal itself to me, but has somehow captivated me, I read everything I can find about them and try to get to know the artist as well as possible. I also like to use Instagram for this. Without having seen at least a photo of the person, I won’t buy any work. That’s important to me. 

Is seeing a photo enough for you or do you want to get to know the artists personally?

Personal exchange with artists for sure plays a role. Especially with young talents, about whom not much has been published, it helps to understand their approach better.

However, sympathies or even antipathies do not play a role in my purchase decision. I try to see the work detached from the person.

I am also not very curious about how the work came about – I am talking about studio visits: I like to keep the magic of the finished product. 

Have you followed the many online initiatives of art fairs and galleries? What is your opinion about this development? 

Of course, I notice that the galleries are opening up to the outside world with online viewing rooms and the like. The quality of this online presence overall has improved a lot. For example, I remember a video of a solo exhibition by a young female artist, where, in addition to the cinematic implementation, part of the text was spoken. The video was extremely well done and had an extensive online reach. This is a great opportunity if you think that usually, it might be a hundred people who see the exhibition, but with the online extension, you can suddenly reach several thousand viewers. Apart from that, I agree with Klaus Albrecht Schröder, who pointed out that if you offer too many events online, people might stop going to museums. I think it will be crucial to find a good balance. I regard the online version as an extension, where it is better to have less content of good quality.

I’m not that big of a fan of too much transparency in the online art world: I don’t have to have a price tag and a detailed description written under every work. Art is not a normal commodity, this is what is special about art and should also be expressed in the online viewing rooms. 

Do you buy art online? 

Yes, very often. For me, this is quite normal. Online, the quality of the pics is what matters, and with sculptures, it is best to show 3-D videos. If you do not know the artist yet, it is more difficult, so I always try to see at least one work in person. As I said, I think that digital extensions enable the buying process, and if they are done well, they allow art to work its magic on you, but of course, it is not a substitute for real-life events. 

Is it important to you to surround yourself with art? In your case, as you primarily collect sculptures and objects, this is certainly not always easy in terms of space. 

I never just wanted to collect for the depot, especially since I buy many young artists, and I would feel guilty to lock it away somewhere. In the beginning, I felt obliged to somehow fit everything I had bought – this was quite difficult to achieve in my apartment. Nowadays, I still live with art, but now I am more relaxed about it. I now have a separate room and thus the opportunity to present some works to the public and, above all, give them enough space. At home, I have a few objects that fit well together. Ideally, they should enter into a dialogue with one another, but also create some ​​tension. I change them regularly, but works that were difficult to install usually stay longer. For a work by Jose Davila, we had to dig a deep hole in the garden and fill it with a concrete foundation – so this will stay now for some time. 

In times of Covid and recurring lockdowns, you certainly had a lot of time at home to enjoy your collection. Did you engage with the works in a new way during this time? 

For me, the last year was exciting because I was not able to travel a lot and therefore dealt more with my collection. It even resulted in a small exhibition of around ten works that I did together with a curator.

When you start showing your collection in public, it gets another dimension.

I would recommend this to every collector, as the collection automatically gains in quality and you enter into an exciting dialogue with others. I intend to continue this format, organising one or two exhibitions a year. I will also continue the deceleration of the art market that this time brought along. In my opinion, the slowdown caused by Covid was a crucial initiator of change. 

Do you think that many stakeholders of the art world share this view? 

I believe that even before Covid, there was a change in awareness regarding travel and the ecological footprint of the art world – this trend will continue. Collectors will increasingly ask themselves: “Do I really have to go to Frieze in London for a weekend and a few days later fly to Paris to Fiac – or is it enough to go to London this year and to Paris next one? It is always worthwhile to see less but to experience it more intensively. 

Talking about traveling less: Does Vienna offer a well enough art program to satisfy local art lovers? 

There is a tendency to find everything non-Austrian to be more exciting. However, in the field of contemporary art, this is a completely wrong assumption.

I am always surprised about the high quality of the Austrian art scene, primarily in Vienna. It is unbelievable how many interesting international artists have a connection to Vienna. I recently discovered a very young artist from Los Angeles, only to find out that she had already exhibited at a Viennese gallery in the context of the annual gallery festival curated_by. 

Do you have any tips for budding collectors? 

I recommend looking at as many things as possible, while at the same time engaging deeply with the artists and the works. This can be easily done by joining institutional exhibitions and guided tours while also taking the time to look at art in peace. I am a big fan of guided tours by curators, and I am often surprised by how little they are taken advantage of. If you are not yet so deeply anchored in a field of art, you can first learn about the significant positions. You do not have to go through the entire history of art – just let your interests guide you. Study the most important artists of the last few years in your preferred genres, even if they are far beyond your budget. It teaches you to assess the quality and relevance of young positions, and it helps you find out what exactly it is about a type of art that appeals to you personally. In addition, you can always exchange ideas with gallery owners, who know their artists best. And some art advisors do an excellent job too. 


Casandra Hermann | Art collector interview

Die Steuerberaterin Casandra Hermann beschäftigt sich in ihrer Sammlung mit den großen Themen des Lebens. Die Wiener Kunstsammlerin spricht mit viennacontemporary über das Zusammenleben mit ihren Skulpturen, was diese bieten müssen, um ihr Interesse zu wecken und wie Corona ihren Zugang zur Kunstwelt verändert hat.

Foto mit freundlicher Genehmigung von Casandra Hermann

Wie hat sich Ihre Sammelleidenschaft entwickelt?

Ich war schon immer kunstinteressiert, aber zum Sammeln habe ich erst sehr spät begonnen, vor etwas mehr als vier Jahren. Für mich war das eine sehr bewusste Entscheidung und mir war klar, dass diese intensivere Auseinandersetzung mit Kunst auch mich verändern wird. Beim Sammeln kommt vielleicht noch hinzu, dass man sich intensiver mit einzelnen Werken auseinandersetzt, vorrangig mit denen der eigenen Sammlung aber auch Werken, bei denen man einen Ankauf überlegt. Wenn Arbeiten eines Künstlers in der Sammlung landen sind sie zusätzlich Teil der eigenen Biografie und das ist auch ein spannender Effekt.

Gibt es eine spezielle Ausrichtung in Ihrer Sammlung?

Ich habe einmal im Kunstmuseum Basel die Ausstellung „sculpture on the move“ gesehen, die mich unglaublich beeindruckt hat. Da wurde natürlich das Beste vom Besten an Skulpturen des letzten Jahrhunderts gezeigt, aber ich wusste von dem Zeitpunkt an, in welche Richtung es gehen soll. Nämlich die Faszination für das Dreidimensionale und die Wirkung von Objekten im Raum und um den Raum als solchen.

Was muss denn in einer Skulptur vorhanden sein, um Ihre Aufmerksamkeit zu erwecken?

Ich tendiere zu dreidimensionalen Objekten, die eine interessante Formensprache haben und eine komplexe Aussage auf den Punkt bringen.

Die Einfachheit und die Präzision sind für mich ausschlaggebend. Wobei ich mit Präzision nicht die handwerkliche Exzellenz der Ausführung meine – ich liebe auch trashig gefertigte Objekte – sondern eine gewisse Schärfe und Klarheit im Kern.

Ich mag Arbeiten, denen ich mich annähern kann, und nicht umgekehrt. Wo einen der zweite und dritte Blick langsam in die Arbeit einführt. Man kann es vielleicht mit einem guten Gedicht vergleichen, wo sich in einigen wenigen Zeilen eine ganze Welt auftut, wo man immer neue Schichten aufdecken kann, die einen lange beschäftigen, auch in unterschiedlichen Lebenssituationen. Interessant finde ich in dem Zusammenhang, dass es vermehrt junge KünstlerInnen gibt, die auch Poesie machen. Das finde ich eine sehr schöne Kombination, sie geht noch viel mehr als bisher in die medienübergreifende Kunst.

installation view. Photo credit: Flavio Palasciano

Was war das erste Kunstwerk, das Sie gekauft haben?

Ich habe bei der Art Basel eine Skulptur von Björn Dahlem mit dem Titel, „strange area (intervall)“ gekauft. Ein kleiner Tannenzweig, der einen rechten Winkel aufweist – was in der Natur äußerst selten vorkommt – und auf einem dünnen Messingstab montiert ist. Mich haben die Fragilität und Poesie dieser Arbeit fasziniert sowie der Mix aus Natur, Kosmos und Wissenschaft.

Inzwischen umfasst Ihre Sammlung ua Arbeiten von etablierten internationalen KünstlerInnen wie Michael E. Smith, Nina Canell oder dem Briten Ryan Gander, aber auch viele junge Positionen, wie etwa Fiete Stolte, Magnus Thierfelder oder Mikko Rikala, darunter auch einige weibliche Positionen aus der „emerging“ Wiener Kunstszene wie Lisa Holzer oder Anna Sophie Berger – wie kommt diese Auswahl an Künstlern zustande?

Mein Fokus liegt bei jungen Talenten, es gibt aber eine Reihe von „Mid-Career“-KünstlerInnen, die ich sehr schätze. Meist kaufe ich aktuelle Arbeiten von etablierten KünstlerInnen. Spannend ist für mich, diese mit jungen Positionen in Bezug zu setzen, um so einen neuen Blickwinkel auf gewisse Themen zu erhalten.

Welche Themen sind es hier, die Sie besonders interessieren?

Es gibt gewisse Themenblöcke, die die Menschen bewegen und die immer wiederkehren und mich interessiert, wie KünstlerInnen, die ich mag, mit ihnen umgehen. Das sind zum einen Fragen der Identität und der Verankerung in der Gesellschaft. Auch das Thema Zeit interessiert mich, was wir aus der Vergangenheit für die Zukunft lernen können und, vor allem, wie utopisch oder dystopisch KünstlerInnen die Zukunft sehen. Ebenfalls wichtig sind mir Umweltthemen und die herannahende Klimakatastrophe. Ich möchte mich aber keineswegs einschränken lassen und deshalb ist für mich ein stringentes Konzept eher zweitrangig.

Kunst soll mir helfen, mich weiterentwickeln und nicht, vorgefasste Meinungen zu bestätigen. Ich sehe die Sammlung daher unter einem biografischen Aspekt.

Ryan Gander, Embrace Your Mistakes …. Your Mistakes Are The Markers of Your Time, 2019, Kalligraphie-Tinte auf 130 gsm Büropapier 59,4 x 42 cm, framed: 69,9 x 52,5 x 3,6 cm – Photo credit: Flavio Palasciano

Gibt es ein Medium oder Themen, die Sie ausschließen?

Ich habe es nicht so mit Malerei, da gibt es nur wenige Positionen, die ich spannend finde und die sind meist eher im Genre der „Anti-Malerei“ angesiedelt. Ich bin aber generell offen und hinterfrage sehr oft, was es ist, das mich an Malerei weniger fasziniert. Also das kann sich durchaus ändern.

Ist der Kaufprozess ein spontaner – oder recherchieren Sie davor gründlich?

Es gibt Arbeiten, bei denen ich innerhalb von drei Sekunden weiß, dass ich sie haben muss. Selten, aber kommt vor. Bei den meisten aber lasse ich mir mehr Zeit, der Kaufimpuls entsteht spätestens dann, wenn die Angst überwiegt, die Arbeit könnte weg sein. Wie den meisten SammlerInnen geht es auch mir so, dass ich mehr Kunstwerke besitzen möchte, als es mir möglich ist. Das ist auch gut so, weil es jeden Ankauf zu einem Entscheidungsprozess macht und das ist ein wichtiger Aspekt des Sammelns.

Können Sie diesen Prozess beschreiben? Wie informieren Sie sich über ein Werk oder ein/e KünstlerIn?

Ich lese gerne Texte von KünstlerInnen, Interviews und zum Teil Rezensionen und natürlich sonstige Publikationen. Vor allem bei jenen, deren Arbeiten sich mir nicht sofort eröffnen, die mich aber doch irgendwie nicht loslassen, lese ich alles was ich finden kann und versuche, den bzw die KünstlerIn kennenzulernen. Auch Instagram nutze ich dazu ganz gerne. Ohne zumindest ein Foto von der Person gesehen zu haben, kaufe ich keine Arbeit. Das ist mir wichtig.

Reicht es Ihnen, das Foto zu sehen oder wollen Sie die KünstlerInnen auch persönlich kennenlernen?

Ich denke schon, dass der persönliche Austausch mit KünstlerInnen eine Rolle spielt. Vor allem bei jungen Talenten, über die noch nicht viel publiziert wurde, ist es gut, um deren Herangehensweise besser kennenzulernen.

Grundsätzlich sind aber Sympathien oder auch Antipathien für die Kaufentscheidung eher zweitrangig. Ich versuche, die Arbeiten losgelöst von der Person zu sehen.

Ich bin auch nicht sehr neugierig, was das Zustandekommen des Werkes betrifft. Damit meine ich vor allem Atelierbesuche – ich bewahre mir gerne den Zauber des Fertigen.

Haben Sie die vielen Onlineinitiativen von Messen und auch Galerien mitverfolgt? Wie beurteilen Sie die Entwicklung?

Ich merke natürlich die Öffnung der Galerien nach außen mit Online Viewing Roms und ähnlichem. Die Qualität der Online-Präsenz hat sich zum Teil massiv verbessert. Mir ist zum Beispiel ein Video einer Einzelausstellung einer Künstlerin in Erinnerung, wo neben der filmischen Umsetzung auch einen Teil Textes gesprochen wurde und das war ganze außerordentlich gut gemacht und wurde sehr oft online aufgerufen. Das ist eine tolle Chance, wo sonst die Ausstellung vielleicht hundert Leute sehen, sind und es dann plötzlich mehrere tausende. Ansonsten halte ich es mit Klaus Albrecht Schröder, der auch auf die Gefahr hingewiesen hat, dass die Leute dann nicht mehr in die Museen gehen, wenn man zu viel online anbietet. Ich denke, es wird wichtig sein eine gute Balance zu finden, ich sehe die Online Themen als Ergänzung, auch um präsent zu bleiben. Lieber weniger aber dafür von sehr guter Qualität.

Ich persönlich bin kein allzu großer Fan von zu viel an Transparenz: für mich muss nicht unter jedem Werk ein Preisschild und eine Beschreibung des Kunstwerks hängen. Kunst ist eben keine Ware wie jede andere und dieses Besondere kann auch zum Ausdruck kommen.

Kaufen Sie Kunst online?

Ja schon sehr oft, für mich ist das eigentlich ganz normal. Wichtig ist die Qualität der Aufnahmen, bei Skulpturen zeigt man am besten auch 3-D Videos. Wenn man die bzw den KünstlerIn noch nicht kennt, ist es schwieriger, da suche ich schon die Gelegenheit, zumindest andere Werke in natura zu sehen. Wie gesagt, für dem Ankauf finde ich die digitale Lösung sehr gut, um Kunst auf sich wirken zu lassen und zu erfühlen, ist es aber natürlich kein Ersatz.

Finden Sie es wichtig, sich physisch mit Kunst zu umgeben? In Ihrem Fall, wo sie doch vorrangig Skulpturen und Objekte sammeln, ist das platztechnisch sicher nicht immer einfach.

Am Anfang hatte ich das Gefühl, ich muss alles was ich gekauft habe, auch irgendwie unterbringen – das ging sich dann nur schwer mit dem Interior aus. Ich wollte nie nur fürs Depot sammeln. Ich sammle ja viele Arbeiten von jungen KünstlerInnen und ehrlich gesagt, hätte ich da auch vielleicht ein schlechtes Gewissen. Ich lebe also mit der Kunst, gehe es aber mittlerweile entspannter an. Ich habe nun einen separaten Raum und damit die Möglichkeit, die ein oder andere Arbeit öffentlich zu zeigen und vor allem den Arbeiten ausreichend Platz zu geben. Zu Hause habe ich einige wenige Objekt die auch gut miteinander können. Die sollen im Idealfall miteinander in Dialog treten, aber auch ein gewisses Spannungsfeld erzeugen. Ich wechsle diese regelmäßig aus, Arbeiten, die aufwendig zu installieren waren, bleiben dann jedoch auch länger. Für eine Arbeit von Jose Davila musste im Garten ein Riesenloch mit einem Betonfundament gegraben werden, die wird dort einige Zeit stehen.

Michael E. Smith, lamp, 2020 – Photo credit: Flavio Palasciano
Anca Munteanu Rimic, In and I, 2015, Organza and mirror, 225 x 185 cm – Photo credit: Flavio Palasciano

Während der langen Lockdowns konnten Sie Ihre Sammlung zu Hause sicherlich besonders genießen. Haben Sie sie während dieser Zeit neu kennen und schätzen gelernt?

Für mich war das letzte Jahr tatsächlich deshalb so spannend, weil ich nicht viel Reisen konnte und mich somit mehr mit meiner Sammlung auseinandergesetzt habe. Daraus ist sogar eine kleine Ausstellung von etwa zehn Arbeiten entstanden, die ich zusammen mit einem Kurator gemacht habe.

Wenn man quasi an die Öffentlichkeit geht, hat das nochmal eine andere Dimension. Ich kann das nur jeden Sammler raten, die Sammlung gewinnt damit automatisch an Qualität und spannendem Austausch.

Ich habe vor, das Format mit ein bis zwei Ausstellungen im Jahr fortzuführen und auch generell das Tempo aus dem Kunstrummel rauszunehmen. Die Verlangsamung durch Corona war ein wichtiger Initiator.

Glauben Sie, dass mehrere SammlerInnen denken wie Sie?

Ich glaube, dass bereits vor Corona eine Bewusstseinsänderung bezüglich Reisen und dem ökologischen Fußabdruck der Kunstwelt stattgefunden hat – diese Tendenz wird sich fortsetzen. Man wird sich fragen: muss ich wirklich für ein Wochenende nach London zur Frieze und wenige Tage drauf zur Fiac nach Paris  – oder mache ich heuer London und nächstes Jahr Paris? Es lohnt sich immer, sich mehr Zeit zu nehmen und weniger zu sehen, das dafür aber intensiver zu erfahren.

Stichwort weniger reisen: Bietet Wien ausreichend kulturellen Nährboden für heimische Kunstinteressierte?

Man neigt ja dazu, alles was nicht in Österreich ist, immer als spannender und aufregender zu empfinden. Was die zeitgenössische Kunst betrifft, liegt man da aber ganz falsch.

Ich bin immer wieder überrascht, wie gut die Szene in Österreich, vorrangig in Wien, ist und wie viele interessante internationale KünstlerInnen einen Konnex zu Wien haben. Ich habe unlängst eine sehr junge Künstlerin aus LA entdeckt und dann festgestellt, dass sie schon einmal im Rahmen von curated_by bei einer Wiener Galerie gezeigt wurde.

Welchen Rat haben Sie für angehende SammlerInnen?

Ich empfehle, sich viel anzuschauen, sich aber auch intensiv mit den KünstlerInnen und den Arbeiten auseinanderzusetzen. Damit meine ich in erster Linie, institutionelle Ausstellungen und Führungen in Anspruch zu nehmen, sich aber auch die Zeit zu nehmen, Kunst in Ruhe alleine zu betrachten und auf sich wirken zu lassen. Ich bin ein großer Fan von KuratorInnen-Führungen und wundere mich oft, wie wenig diese in Anspruch genommen werden.

Wenn man noch nicht so tief in der Materie verankert ist, kann man sich zunächst einmal mit den bedeutsamen Positionen zu beschäftigen. Man muss da nicht die gesamte Kunstgeschichte durchgehen, sondern seine Interessen einfließen lassen. Es ein guter Ansatz, die wichtigsten KünstlerInnen der letzten Jahre in dem Genre, das einen am meisten interessiert, zu studieren, auch wenn sie außerhalb des Ankaufsbudgets sind. So fällt es leichter, bei jungen Positionen die Qualität und Relevanz beurteilen zu können. Und damit auch besser herauszufinden, was ist es, was mich an dieser Art von Kunst anspricht.

Eine gute Alternative und natürlich auch Ergänzung ist es sich mit den GaleristIinnen auszutauschen, die kennen ihre KünstlerInnen am besten. Und manche Art Advisors machen auch einen sehr guten Job.

Leave a Reply

Fill in your details below or click an icon to log in:

WordPress.com Logo

You are commenting using your WordPress.com account. Log Out /  Change )

Google photo

You are commenting using your Google account. Log Out /  Change )

Twitter picture

You are commenting using your Twitter account. Log Out /  Change )

Facebook photo

You are commenting using your Facebook account. Log Out /  Change )

Connecting to %s